Amfion pro musica classica

Category Archives: Raportit

raportti: Edvard Grieg ja Pariisi – Wojciech Stępieńin luento Helsingin yliopiston musiikkitieteessä 11.12.2020

Wojciech Stępień. Kuva © E. Tarasti

Wojciech Stępień. Kuva © E. Tarasti

Wojciech Stępieńin muistamme hänen väitöskirjastaan oppiaineeseemme v. 2012 aiheena Einojuhani Rautavaaran ns. enkeli-tyyli. Säveltäjä oli tuolloin vielä elossa ja tuli väitöstä seuraamaan. Hän oli iloinen, ettei väitös ollut otsakkeestaan huolimatta ” mitään taivastelua”. Kirja ilmestyi otsakkeella Signifying Angels.

Stępieńin toinen lempiaihe on ollut Edvard Grieg, jonka musiikkia hän on soittanut pianistina mm. opinahjossaan ja nyt työpaikassaan Katowicen Musiikkiakatemiassa. Häneltä on juuri ilmestynyt kirja Le nouveau Grieg. Tendencije modernistyczne w tworczosci Edvard Griega ma prsykladzie op. 54, 66 i 72 (2019, Akademy Muzyczna); hän on julkaissut myös englanniksi Edvard Grieg and his time (2016) ja hän toimii kansainvälisen Grieg-seuran varapuheenjohtajana.

Puolalaisille Grieg oli aina ”Pohjoisen Chopin”. Mutta miksi Ranska?

Grieg oli paitsi kansallinen instituutti kotimaassaan myös kosmopoliitti. Sitä heijastaa jo hänen kuuluisan Bergenin talonsa (Troldhaugenissa) interiööri. Hänen yksi kuuluisimpia sävellyksiään on tuo viehättävä Kesäpäivä Troldhaugenissa vuodelta 1896; sen on levyttänyt mm. armoitettu Grieg-tulkki Eva Knardahl, joka opetti sitä myös pianokurssillaan Suomesssa.

Sen verran on tiedettävä Norjan historiasta, että vuoden 1814 Eidvollin kokous erotti maan Tanskasta. Siitä alkaen haettiin norjalaisten identiteettiä: historiasta, kielestä ja folkloresta. Kieleksi tuli landsmålin sijaan riksmål, ja kieli erosi nyt selvästi tanskasta. 1841 ilmestyi kokoelmm kansansatuja, eräänlainen norjalaisten ”Kalevala”, mutta vailla kokoavaa ”juonta”.

Mielenkiintoinen on Stępieńin tulkinta, että Norja edusti pohjoista orientalismia Eroopassa – ja Eurooppa oli yhtä kuin Ranska tässä tapauksessa. Grieg oli musiikkimaailman kiistaton tähti, hän ilmensi norjalaisuutta puhtaassa muodossa. Kun hän soitti a-mollikonserttoaan Roomassa Lisztille, tämä keskeytti ja ryntäsi salin toiselta puolelta lausuen: ”Ihastuttavaa, g ja g eikä gis! Hurmaavan ruotsalaista!” Ruotsalaisia norjalaiset eivät kuitenkaan halunneet olla yhtä vähän kuin suomalaisetkaan.

Norjan taide oli näyttävästi esillä Pariisin maailmannäyttelyissä jo aiemmin kuin Suomen. Tosin maailmannäyttelyssä 1867 kansakunnat varustettuna rikkaalla pääomalla olivat keskellä päähallissa, köyhät olivat reunoilla periferiassa ja niin myös Norja. Taas näyttelyssä 1889 Saksa oli kokonaan poissuljettu 1871 vuoden sodan vuoksi. Norjalaiset taiteilijat, kirjailijat ja maalarit tulvivat Pariisiin, Ibsen, Björnsson, Kielland, ja heitä ihailtiin. Peer Gyntin (1867) viimeinen näytös tapahtui Egyptissä, mutta kuvasi itse asiassa Norjaa. Norjalaiset siis miellettiin orientaalisiksi. Ja pariisilaisille kelpasi vain orientalismi, musiikki tulvi näyttelyssä mustalaisten, marokkolaisten ja gamelanin kautta. Suomalaisten ylioppilaiden kuoroa pidettiin venäläisenä.

Ranskalainen musiikkielämä hakeutui omille juurilleen 1600-luvulle ja Rameau ja Couperin tulivat muotiin pastisheina. Sävellettiin sarjoja antiikin tyyliin ja Grieg siinä perässä Holmberg-sarjallaan, Debussy Suite bergamasquellaan. Ja sitten Ravelin Tombeau de Couperin. Venäläinen musiikki koettiin vaarallisen eksoottisena, mutta skandinavian sävelet olivat orientalismia melankolisena, maisemallisena, vienona, metsien ja järvien musiikkina. Tähän kategoriaan putosi myös Sibelius Pariisissa. Jim Samson korostaa Pariisin vihamielisyyttä Saksaa kohtaan, mutta se on liioittelua. Vaikka kun Helsinki Filharmonia vieraili Pariisin maailmannäyttelyssä 1900 muusikkoja kellettiin puhumasta lavalla keskenään koska olisi käynyt ilmi, että he olivatkin lähes järjestään saksalaisia! Kaikki 1871 perustetun kansallisen musiikkiseuran säveltäjät jotka puolustivat ars gallicaa olivat myös wagneriaaneja. Käytännössä ei musiikkielämä tullut toimeen ilman Saksaa.

Silti orientalismin näkökulma, jota Stepien korosti, on mielenkiintoinen uusi aspekti esim. Griegiin, mitä ei aina tule ajatelleeksi. Pariisi ylisti Griegiä pianistina. Grieg oli myös poliittinen henkilö; hän tuomitsi jyrkästi Dreyfusin vainon, mutta huomasi, että vain Gabriel Fauré tuki häntä. V. 1905 Norjan parlamentti erotti maan Ruotsista, mikä johti miltei aseelliseen selkkaukseen. Mutta kun Grieg oli kirjoittanut Saksan keisarille ja Englannin kuningashuoneelle sodalta vältyttiin. Näin vahva oli Griegin asema maassaan ja Euroopassa.

– Eero Tarasti

raportti: Nitra – arkeologiaa ja avantgardea

Prof. Julius Fujak etualalla. Kuva © Eero Tarasti

Prof. Julius Fujak etualalla. Kuva © Eero Tarasti

Moni ei ole varmaankaan käynyt Slovakian Nitrassa, hyvä jos Bratislavassa. Nitrassa ollaan kuitenkin keskellä vanhan Euroopan kulttuuriperintöjä – mutta myös avantgarden ytimessä. Siellä juhlittiin vastarinnan 30-vuotisjuhlia. Amerikkalaisuus oli muotia, kulttihenkilönä musiikkielämässä nuori kapinallinen Marian Varga (1947-2017), joka poseeraa uhmakkaana LP:nsä kannessa – myöhemmistä painoksista tupakka jouduttiin sensuroimaan. Hän kirjoitti musiikkia kaikkiin tyylilajeihin, mutta estetiikka oli John Cagelta. Hän oli myös Nitran nykymusiikkielämän keskeisen figuurin, Julius Fujakin idoli.

Fujakin tuotanto on itse asiassa jo laaja, hän on julkaissut suuren määrä cd-levyjä, joissa useimmiten esiintyy kamariyhtye ja hän itse mukana improvisoiden mm. preparoidulla pianolla. Hän on harrastanut myös soundscape musiikkia nauhoittaen mm. ääniä Nitran kaduilta, supermarketeista, elävistä tilanteista. Kirjoitin välittömästi vaikutelmanani hänen musiikistaan kuunneltuani matkani jälkeen hänen levyjään monta kertaa autossa:

I get the feeling one is brought there musically to a kind of transcendental sphere, where time is different, where musical signs seem to float like in a gravitationless space. Some signs are very actorial but some are there just as references to hitherto unknown realities. It is a fascinating universe. To some extent it is musique concrète with noise and sounds whose origin is in nature or in synthesizers, but only to some extent. It certainly follows John Cage’s aesthetics as well… at least as far as I know it from my friend Daniel Charles and his book For the Birds – Dialogues with John Cage. Daniel Charles that great French music philosopher who also studied with Messiaen and was a great connoisseur of Heidegger and zen Buddhism would have written about you and liked you!

Julkaisimme Fujakilta levykansion sarjassa Acta semiotica fennica, Approaches to Musical Semiotics, otsakkeella Comprovisations. Kyseessä on siis improvisointi yhdessä – ja säveltäjän johdolla. Tästä saatiin elävä näyte konsertissa 13.11. Nitran ’Ponitrianskeho’ museossa. Sen järjesti Kulttuuritieteen osasto Nitran Konstantin-yliopistossa, johon Fujak nimitettiin hiljattain estetiikan professoriksi. Konsertissa, joka oli järjestetty vierailuni johdosta: ’koncert je venovaný prof. Eerovi Tarastimu’, esiintyivät pianisti Martina Janegová ja kitarataiteilija Ondrej Veselý (joka tekee väitöskirjaa kitaransoiton semiotiikasta), Duo Hyp(ia)nosis..sekä alussa Musicantica Slovaca, maan johtava vanhan musiikin yhtye. Heiltä on levykin v. 2013 ”Ket´ husári verbuvali”, jossa on ottomaanien valtakunnan musiikkia – turkkilaisethan ehtivät 1500-luvulla Slovakiaan saakka. Yhtyeessä soittavat Robert Zilik, Maria Zilikova-Mandakova ja Tomas Blazek (opiskellut myös Suomessa). Mutta heidän ohjelmistossaan oli myös minne-lauluja ja trubaduuriviisuja Occitaniasta Pierre Vidalin kokoelmasta. Vaikutteet olivat tulleet etelästä tänne saakka.

Julius Fujak julkaisi viime vuonna myös esseekokoelman Emanacie hudobnej semiosféry, jossa on pohdintoja Slovakian musiikin avatgardesta, Peter Faltinista, merkittävästä musiikin fenomenologista ja eksistentiaalisemiotiikasta.

Nitrassa kohtaa joka askeleella historiaa. Avantgardessa on muotia soittaa nykymusiikkia perinteisillä soittimilla kuten slovakialaiselle pitkällä huilulla puhaltaen ja puhkuen hälyääniä. Nitran historian museossa on arkeologisia löytöjä, mm. ikivanhoja soittimia. Kaiken huippuna on linna ja sen laella Nitran suojeluspyhimyksen St. Emmeranin kappeli. Nitra oli Pohjois-Euroopan varhaisimpia alueita, jonne kristinusko saapui jo 800-luvulla. Pyhimykset Kontantin eli Kyrilius ja Metodius Thessalonikista vierailivat siellä – hehän keksivät sitten kyrilliset aakkoset. Kyrilius puolusti paaville kansankielen käyttöä kirkoissa jo tuolloin.

J. Fujak & E. Tarasti

J. Fujak & E. Tarasti

Katedraali loistaa barokki-interiöörillään, mutta sen vanhin osa on goottilaista tyyliä 1000-luvulta. Sivukappelissa on munkkien rukoussyvennyksiä, jotka resonoivat merkillisesti, jos niissä laulaa matalia ääniä. Aivan kuin Iegor Reznikoffin meditaatio-koulussa. Barokkikirkon upeat alttaritaulut ja freskot ovat wieniläisen Gallimartin käsialaa. Mutta yhden alttarin takaa paljastui italialaistyylinen 1200-luvun maalaus. Taiteilijat liikkuivat Euroopassa tuohonkin aikaan. Urut rakensi Zorkowski joskus 1750, mutta ne renovoitiin kokonaan itävaltalaisen Paul Köglerin toimesta pari vuotta sitten. Sain kokeilla, mahtava äänikerrat ja sointivariaatiot. Pihalla oli kohti taivasta kohoava paavin musta patsas levitettyine viittoineen, paikalliset kutsuvat sitä kuulema ’Nitran batmaniksi’.

Ystävääni Julius Fujakiin kiteytyy tuo erityinen yhdistelmä perinteitä, historiaa, kansankulttuuria, oppineisuutta – ja radikaalia avantgardea. Ainoa ongelma on, että yksikään levykansio ei sisältänyt tietoja englanniksi! Kuinka kukaan voi oppia tuntemaan Slovakian nykytaiteen omaperäisyyttä, jollemme myös voi lukea siitä selostuksia. CD ja DVD ovat kansainvälisiä dokumentteja, jotka leviävät globaalisti. Olisi helppoa sujauttaa väliin englannin- tai edes saksan- tai ranskankielinen esittely!

– Eero Tarasti

raportti: Jean Sibeliuksen koottujen teosten 30. nide julkistettiin

JSW72dpi

Säveltäjät eivät aina osaa ilmaista itseään ja tarkoituksiaan nuottipaperilla. Siksi he tarvitsevatkin ediittoreita ja musiikin tulkitsijoita avukseen. Sibelius oli aina huolissaan, oliko puhtaaksikirjoittaja ymmärtänyt oikein hänen käsikirjoitustaan. Kieltämättä virheitä pääsikin usein vahingossa painotuotteeseen saakka. Jean Sibelius Gesamtausgabe julkaisee monumentaalisena sarjana kriittisesti toimitettua laitosta yhteistyössä saksalaisen kustantajan Breitkopf & Härtelin kanssa. Muistan kun sen omistaja Liselotte Sievers kerran vieraili Suomessa. On hieno asia, että hekin haluavat tämän sarjan ja panostavat siihen. Toivotaan, että mahdollisimman monet alkavat soittaa uudesta laitoksesta. Projektia hallinnoi professori Esko Häkli Kansalliskirjastosta ja sen johtajana toimii professori Timo Virtanen. Niinikään toivotaan, että rahoitus jatkuu, kuten on suunniteltu.

Kansalliskirjaston kupolisalissa julkistettiin (13.12.) siis viulu- ja selloteosten nide, jonka toimittaja on Anna Pulkkis. Hän juonsi elegantisti tilaisuuden, jossa kaksi muusikkoa soitti edition teoksia, professori Kaija Saarikettu, viulu ja lehtori Teppo Koivisto, piano. Paikalle olivat saapuneet Suomen merkittävimmät Sibelius-tutkijat ja soittajat. Professorin rouvien hankkiman flyygelin avustuksella kuultiin lyhyitä kappaleita 1910-luvulta, Souvenir, Tanz-Idyllle ja Sonatina (jonka otsakkeesta Sibelius oli epävarma, t.s oliko se sonatiini vai sonaatti), sekä kaksi sangen myöhäistä teosta, liki viimeisiä hänen kynästään: Auf der Heide op. 115 ja Die Glocken op. 115. Viimeksimainitusta Teppo Koivisto kertoi, että pääaihe on sama, jolla Kallion kirkon kelloja soitetaan. Nuoteissa lukee sempre pedale, mikä tehostaa kaikuisaa efektiä. Tosin saattaa olla jossain määrin arvoituksellista, mitä sempre pedale tarkoittaa. Kirjoittihan Beethovenkin sen ohjeeksi Kuutamosonaatin koko ensi osaan – mutta jos niin soittaa, se kuulostaa kamalalta. Gustaf Djupsjöbacka huomautti lisäksi, että lauluissakin on Glocken kaltaista tekstuuria.

Sibeliuksella on moniselitteisiä merkintöjä. Esimerkiksi Kaija Saarikettu kertoi, että yhdestä viulukappaleesta on eri painoksia, joissa sama paikka lukee joko merkinnällä allegro tai larghetto. Kilpailujen tuomaristoissa hän on sitten arvaillut, kumpaa solisti on tarkoittanut. Muistan, miten Sibeliksen varhaisessa pianokvintetossa lukee viimeisen osan esitysohjeena vivace, joka yleensä tarkoittaa hyvin nopeaa. Mutta ei tässä missään tapauksessa: teoksen loppu tulisi mahdottomaksi soittaa. Busoni, jolle teos oli tarkoitettu, ei sitä osaa koskaan soittanutkaan. Lopussa on tosin presto ja siihen pätee mitä Richard Strauss sanoi: Jos näette jossain ohjeen prestissimo, soittakaa vielä kaksi kertaa nopeammin.

Joka tapauksessa Pulkkis heijasti kankaalle yhden tapauksen, jossa kopisti tulkitsi väärin pianon triolikuvion arpeggioksi ja jätti viulun diminuendon pois. Sibelius ei pitänyt tästä ja toi sen esiin jopa päiväkirjassaan. Joka tapauksessa viulukappaleet ovat oma genrensa, karaktäärikappaleita, jotain muuta kuin viulukonsertto. Saarikettu on näitä runsaasti esittänyt, minkä kuuli tulkinnan ja otteen varmuutena. Samoin Koiviston piano-osuudessa. Niteeseen kuuluu myös selloteos Malinconia, mutta sen manuskripti on yksitysomistajan hallussa jossain Keski-Eurooopassa eikä tämä ole suostunut yhteistyöhön ediittorien kanssa. Käsikirjoitusta on yritetty myydä Southebyn huutokaupassa huikella hinnalla, mutta sitä ei ole saatu Suomeen.

Pian sarjassa on tulossa tärkeä opus: 4. sinfonia. Kaikki kapellimestarit eivät tosin vieläkään ole omaksuneet sarjan niteitä johtamistyöhönsä, vaan esittävät omia versioitaan, jotkut jopa parannellen tekstuuria. Siihen nyt ei kuitenkaan pitäisi mennä.

En voi olla lopuksi kertomatta anekdoottina, mitä kuulin pari viikkoa sitten musiikkiseminaarissa Barcelonassa. Klarinetisti Lorenzo Coppolan isoisä soitti Rooma-kvartetissa ja esiintyi myös Sibeliukselle. Hän pelasi myös shakkia maestron kanssa. Olisi kiinnostavaa tietää, näkyykö tuttavuus mitenkään kirjeenvaihdossa.

— Eero Tarasti

PRÉMIO JOVENS MÚSICOS – KANSALLINEN KAPELLIMESTARIKILPAILU PORTUGALISSA

Jury kertoo tuomion. Keskellä maestro Jean-Marc Burfin, allekirjoittanut oikeassa laidassa

Jury kertoo tuomion. Keskellä maestro Jean-Marc Burfin, allekirjoittanut oikeassa laidassa

Juryn jäsen kapellimestari Sasha Mäkilä raportoi Lissabonissa 20.-22.9. järjestetystä kapellimestarikilpailusta

Euroopan länsireunalla oleva Portugali on ollut minulle aina jonkinlainen arvoitus. Historiasta tuttuja ovat toki löytöretkeilijät Magalhães ja Vasco da Gama, ruoka- tai oikeammin juomakulttuurista lähinnä vain portviini. Portugalin musiikkielämästä en tiennyt muuta kuin Gulbenkian-orkesterin, jossa Susanna Mälkin päävierailijakausi on juuri lopuillaan. Siksi olikin mieluisa yllätys, kun Portugalin kansallista musiikkikilpailua Prémio Jovens Músicos organisoiva säveltäjä Luís Tinoco otti minuun yhteyttä ja kysyi, pääsisinkö tuomariston jäseneksi nyt ensimmäistä kertaa järjestettävään kapellimestarikilpailuun. Kun lämpömittarin lukema Suomessa alkoi jo liikkua kymmenen plusasteen molemmin puolin, oli helppo vastata myöntävästi ja siirtyä viikoksi Lissabonin aurinkoon.

Kilpailun ja festivaalin taiteellinen johtaja, säveltäjä Luís Tinoco

Kilpailun ja festivaalin taiteellinen johtaja, säveltäjä Luís Tinoco

Portugalin yleisradioyhtiö RTP:n isännöimä Prémio Jovens Músicos perustettiin vuonna 1987, eli tämän vuoden kilpailu oli järjestyksessä kolmaskymmenes. Alunperin kilpailu oli vain instrumentalisteille tarkoitettu, mutta vuonna 1990 se laajennettiin koskemaan myös kamarimusiikkiyhtyeitä. Nyt juhlavuoden kunniaksi päätettiin ensi kertaa kokeilla, minkälaisen suosion saisi kansallinen kapellimestarikilpailu. Osallistujien yläikäraja muissa kategorioissa on 25 vuotta, mutta kapellimestarikilpailussa se oli 35 vuotta, mikä on vain luonnollista kun ottaa huomioon kapellimestarien hitaamman kypsymisen vaativaan työnkuvaansa. Kilpailuun oli tullut 33 hakemusta, joista oli DVD-näytteiden perusteella kutsuttu Lissaboniin 12 nuorta ja lahjakasta kapellimestaria.

Kilpailu käytiin Lissabonin oopperatalon Teatro Nacional de São Carlos tiloissa, mutta koska päälava oli varattu Carmen-produktion harjoituksille, oli orkesteri sijoitettu teatterin aulatiloihin. Näinollen kilpailua ei voinut myöskään avata yleisölle – vierailijoita ja tarkkailijoita toki nähtiin paljon. Ainoastaan voittajan konsertti viikonlopun Festival Jovens Músicos -tapahtuman yhteydessä oli julkinen.

Kilpailun tuomariston sihteerinä toimi sekä koko kilpailun että festivaalin taiteellinen johtaja Luís Tinoco, ja minun lisäkseni jäseniin kuuluivat portugalilaistunut ranskalainen kapellimestari Jean-Marc Burfin (jonka kanssa jaan yhteisen opinahjon, nimittäin Pietarin konservatorion Venäjällä!), Portugalin tällä hetkellä ehkä tunnetuin kapellimestari Joana Carneiro, sekä 90-vuotias Madame Teresa de Macedo, joka myös jakaa kilpailun pääpalkinnon Prémio Maestro Silva Pereira edesmenneen aviomiehensä muistolle. Kilpailuorkesterina toimi Orquestra Sinfónica Portuguesa (OSP).

Ensimmäisellä kierroksella orkesteriaikaa oli viisitoista minuuttia per kokelas, ja tehtävänä oli johtaa ilman kommentteja otteet Debussyn Faunin iltapäivästä ja Beethovenin ensimmäisen sinfonian finaalista. Näinkin lyhyessä ajassa sai erittäin selkeän kuvan kilpailijan johtamistekniikasta, tunneilmaisusta ja itsevarmuudesta johtajankorokkeella. Joillekin kilpailijoille tilanne oli selvästikin hyvin jännittävä – luultavasti tämä oli usealle heidän ensimmäinen kapellimestarikilpailunsa. Yleisesti ottaen taso oli mielestäni kuitenkin korkea. Omalla yli kymmenen kapellimestarikilpailun kokemuksellani voin sanoa, että kyseessä olisi voinut hyvin olla kansainvälinen kapellimestarikilpailu.

Juryn piti ensimmäisestä kahdestatoista kilpailijasta valita kuusi seuraavan päivän semifinaaliin, ja tämä tehtävä oli yllättävän helppo. Minkäänlaista riitaa ei saatu aikaiseksi, varsinkaan kun myös orkesterin neuvoa-antava äänestys oli lähes yhteneväinen juryn mielipiteiden kanssa. Ensimmäisen erän tulosten julkistamisen jälkeen seurasi kaksi arvontaa – seuraavan päivän johtamisjärjestys ja kokelaiden johtamat kappaleet, jotka siis arvottiin seitsemästä perusohjelmiston teoksesta.

Keskiviikon semifinaali oli kisapäivistä pisin, sillä jokaisella jatkoon selvinneellä kandidaatilla oli nyt kolmekymmentäviisi minuuttia orkesteriaikaa käytössään. Pakollinen tehtävä oli Saint-Saënsin sellokonserton ensimmäinen osa, ja sen solistina ahkeroi Marco Pereira, Gulbenkian-orkesterin soolosellisti (ja itse asiassa myös entinen Prémio Jovens Músicos -voittaja).

Sellisti Marco Pereira ja kilpailun voittaja Nuno Coelho da Silva palkintokonsertissa 24.9.

Sellisti Marco Pereira ja kilpailun voittaja Nuno Coelho da Silva palkintokonsertissa 24.9.

Semifinaalissa näkyi ensimmäistä kertaa suuria eroja kandidaattien valmistautumisessa, sillä esim. Beethovenin viidennessä sinfoniassa monilla oli omaperäisiä riskiratkaisuja, jotka olisi voinut välttää helposti konsultoimalla jotakuta kokenutta kapellimestaria. Suurimmat erot kuitenkin näkyivät siinä, miten työskentely solistin kanssa sujui. Jopa ensimmäisellä kierroksella täysin ammattimaisen vaikutelman antaneet nuoret kapellimestarit saattoivat nyt johtaa katsomatta kertaakaan solistiin päin! Muutoin kuultiin mielenkiintoisia ja kypsiäkin tulkintoja, Beethovenin lisäksi Brahmsin neljännestä, Mozartin neljännestäkymmenennestä, ja Schubertin ”Keskeneräisestä” sinfoniasta. Tällä kierroksella oli myös lupa harjoittaa orkesteria, ja vaikka portugalinkieliset ohjeet jäivätkin välillä minulta ymmärtämättä, pystyi ohjeiden vaikutuksesta lopputulokseen silti tekemään selkeitä johtopäätöksiä niiden tehosta.

Semifinaalin päätyttyä juryn näkemys finaaliin menevästä kolmikosta oli täysin yhteneväinen orkesterin ja solistin neuvoa-antavien äänten kanssa, eli taas päästiin hyvin nopeasti arvontaan. Neljästä isommasta orkesteriteoksesta  valikoituivat finalisteille Beethovenin kolmas sinfonia ”Eroica” ja Bartókin konsertto orkesterille. Näiden lisäksi pakollisena oli johtaa keskeytyksettä Saint-Saënsin konserton finaali, ja vapaavalintainen osa João Domingos Bomtempon (1775-1842) ensimmäisestä sinfoniasta. Bomtempo toi väistämättä mieleen Haydnin – ja taisipa olla ensimmäinen kerta kun (ainakaan tietoisesti) kuulen portugalilaisen säveltäjän musiikkia! Joka finalistilla oli neljäkymmentä minuuttia käytettävissään näihin tehtäviin.

Finaali oli erittäin mielenkiintoinen, sillä nyt kaikkien lahjakkaiden kandidaattien vahvuudet ja heikkoudet tulivat aivan uudella lailla esiin. Jokainen heistä oli tietyssä mielessä jo ammattitaitoinen muusikko ja kapellimestari, mutta kokemattomuuden saattoi vielä havaita ajoittaisesta hermostuneisuudesta tai luottamuksesta erikoisiin johtamisteknisiin ratkaisuihin. Tällä kertaa jury joutuikin keskustelemaan lopullisesta valinnastaan pitkän tovin ja käymään arvokeskustelua siitä mikä tulisi olla palkinnon painopiste – luontainen muusikkous, potentiaali, harjoitustyön kypsyys vai jokin muu. Lisäksi oli otettava huomioon orkesterin neuvoa-antava äänestys.

Päädyimme lopulta antamaan ensimmäisen palkinnon jo ensikierroksella vaikutuksen tehneelle Nuno Coelho da Silvalle, ja toisen palkinnon voittanut José Eduardo Gomes sai myös orkesterin erikoispalkinnon. Kolmas palkinto myönnettiin erinomaisesti säestystehtävissä pärjänneelle Jan Wierzballe. Vaikka pääpalkintoja oli vain yksi ja siihen liittyi kunnia johtaa festivaalikonsertti jo heti lauantaina, pidettiin muistakin voittajista hyvää huolta. Heille on luvassa hyvän julkisuuden lisäksi konsertteja portugalilaisten orkesterien kanssa, ja finalisteista kaksi pääsee ensi vuonna Gulbenkian-säätiön sponsoroimalle oopperan mestarikurssille. Kaiken kukkuraksi Portugalin Wagner-seura lähettää voittajan ensi kesänä kahdeksi viikoksi Bayreuthiin.

Ensimmäinen palkinto, Nuno Coelho da Silva

Ensimmäinen palkinto, Nuno Coelho da Silva

Toinen palkinto ja orkesterin erikoispalkinto, José Eduardo Gomes

Toinen palkinto ja orkesterin erikoispalkinto, José Eduardo Gomes

Kolmas palkinto, Jan Wierzba

Kolmas palkinto, Jan Wierzba

Kilpailun jälkeen jäin vielä päiväksi Lissaboniin kuuntelemaan Festival Jovens Músicos -tapahtuman avajaiskonsertit jazz- ja klassisessa kategoriassa. Ensimmäisessä hurmasi harmonikansoittaja João Barradas yhtyeineen, toisessa taas kuultiin neljää lahjakasta solistia Gulbenkian-orkesterin edessä, joista lopuksi palkittiin kilpailun pääpalkinnolla (Prémio Maestro Silva Pereira) 17-vuotias lyömäsoitinvirtuoosi Agostinho Sequeira. Tämän viikon perusteella, kuultuani kahta portugalilaisorkesteria, nähtyäni kaksitoista nuorta kapellimestaria ja nautittuani nuorten solistien esityksistä, minusta tuntuu siltä että Portugalissa on hyvin aktiivinen ja noususuunnassa oleva klassisen musiikin kulttuuri, ja keskusteluni paikallisten säveltäjien, esiintyjien ja muiden kulttuurivaikuttajien kanssa vahvistavat tämän. Paljon voisi kirjoittaa myös Lissabonin arkkitehtuurista, nähtävyyksistä, museoista, ruoasta ja juomasta, mutta jätettäköön jotain seuraavaankin kertaan. Muito Obrigado!

Teksti: Sasha Mäkilä
Kuvat: Pedro Pina

Reportage: Pulsar, Copenhagen

pulsar1 pulsar2

One might call it Danomania

Recent years have seen a real surge in contemporary music hailing from the straights of Denmark. In Finland, contemporary music festivals Musica nova and Viitasaari Time of Music have recently programmed major works of Hans Abrahamsen, flying in original performers such as Barbara Hannigan and ensemble reserche to give impressive performances of Let Me Tell You and Schnee. Last winter, Avanti! -quartet presented an entire portrait concert of Simon Steen-Andersen, whose music theatre work Staged Night was put on later the same year.

It’s not necessary for me to list the merits and prizes that Abrahamsen and Steen-Andersen have received internationally. Their success is in their approach to music, that has a freshness commanding respect across aesthetics and genres. And if anything, it’s becoming a broken record for anyone that hasn’t spent their life in a barrel for the past five years.

At their alma mater, the Royal Danish Academy of Music (RDAM) in Copenhagen, the work continues to give contemporary composers and musicians of the future a head-start in their careers. Their most visible manifestation of this is Pulsar. A ten-day festival, currently under way until 18th March in Copenhagen, devoted to the music of the 19 composition students at the Academy.

The festival is also largely produced by the students themselves. The chamber concerts each have a production team of 3-4 composition students, working alongside the facilities staff, the students of music technology to operate the electroacoustic works and the library, which produces the sheet music. The artistic director, and professor of composition Nils Rosing-Schow admits that concert production is a pedagogical element, giving the students a dip into the realities of professional musicianship. Group-working and collegial learning is also an integral part of the way the department works, says Rosing-Schow.

The festival is unusually expansive this year, due to a newly-formed collaboration with the Danish Radio (DR) Symphony Orchestra.

They have a close affiliation with the Academy. Many of its members are alumni, and the Academy building housed the Danish National Radio until 2006, when the new concert hall opened in DR Byen, just outside of the centre. The Academy building is itself an architectural wonder from the 1930’s-40’s, beautifully renovated in the functionalist style conceived by Vilhelm Lauritzen. The students have in it, and especially in the main hall, an excellent instrument for the betterment of their work.

Pulsar has also invited colleagues from Aarhus Royal Academy of Music to present a concert of their works as well as the Shanghainese chamber group, Ensemble Les Amis, performing new Chinese works alongside student commissions later in the week.

“Everything will be performed” Rosing-Schow comments the selection process. At least one piece by each composition student is included in the programme, and many have several. Every two years the Academy organises workshops with the leading Danish orchestras from Aalborg to Odense. This practical knowledge is apparent in the first concert I had the chance to see.

On Thursday night, the DR Symphony Orchestra presented no fewer than three world premieres commissioned from Academy students.

Alongside these were featured key works by two Danish composers-in-residence, Poul Ruders and Christian Winther Christensen (The Finnish contemporary music aficionados will remember both from last year’s Musica nova festival in Helsinki). Two resident composers. Perhaps this is to mirror the principle at the RDAM that each composition student receives tutelage from two teachers, no exceptions. Whether this is the reason or not, the works in the four concerts I heard exhibited a multitude of musical attitudes.

Portraying the slow and vulgar swaying of an obese dancer, the opening work Burlesque (2016, wp) by Martin Stauning meanders through with a melodic line based on clusters and the swaying caused thereof. This was especially effective when a stretched process brought the line to its highest register, scored for trumpets and high strings. The ensuing longing echoed Romantic gestures, which the composer owns to. Nielsen? Yes. Strauss? Yes. Dowland? Obviously. Everything is somehow stale, albeit extremely well crafted and orchestrated. Incidentally, Stauning also owns the Applause performed as the third movement by the audience, the conductor and the bowing composer.

Christensen’s Chromatische Weltmusik (2013, Dp) received today its long-awaited Danish premiere, as the original scheduled for 2013 had to be cancelled due to Cyclone Christian. The lagging work is a tour-de-force in sonic exploration in the fields of quotation, by-products of suonare, or instrumental sounding, and almost slap-stick-like humour. Why lagging? The computer-game term fits nicely in my mind to describe the formal elements – listening to this work is on occasion like watching a ‘loading’ –bar or a tilting computer program. In music this means the ear may focus on the sound removed from the ‘where-it’s-going’-factor. Occasionally until desperation, undoubtedly to the composer’s intent. The prize for hanging around is substantial though – fully blown organ-chords are far too far and few between.

A performance of this fragmented work requires a mastery of the extended techniques of one’s instrument, apparent in the work of the virtuoso soloists, accordionist Bjarke Morgensen, accordion and cellist Og Toke Møldrup, as well as of the orchestra. A painful amount of the work hangs on pedantic subtleties of extended techniques. The wet acoustics of the hall only slightly counteracted this work.

The subtitle (ohne fremde Elemente) implies Christensen’s interest in integrating foreign elements until they lose their foreignness – the piece is based on a Schubert lied from Winterreise. The soloists performed a version of it as an encore to cathartic effect.

Another take on the question of whether music should be on its way somewhere, Tundra (1990), by the established Poul Ruders, presents a single impressionistic, gestural sweep living in the moment. This is in strong counterpoint with the other works, accentuating their fragmentarity on the other hand but also their originality and risk.

The originality of Ground Moves (2016, wp) by the British James Black lies in the discovery of that which is in between stasis and process. Maybe it’s a moving stasis? Like a planet moving in space. One is never sure which way to read it, which in turn made me cease to try. This enabled me to focus on the fine details in the orchestral colours, the fundamental difference in timbre between a bassoon fortissimo on a low Bb or C (curiously, one rattles, one does not), or the interferences of the clarinet trio in the third movement Isotope. Shame that Black doesn’t utilise the fantastic window that is created from a careful build-up right at the end of the piece. It’s instead claimed by the piece that follows.

The chaotic, aggressive and ear-piercing world that prodigious Aya Yoshida’s work Double-face (2015, wp) inhabits seemed to juice the orchestra from their very last forte. Yoshida speaks of first releasing the energy imminent in the 100-piece band and then controlling it. Not even in the specialist hands of conductor Brad Lubmann, who’s focus and attention in the other pieces of the concert is worthy of praise, did Yoshida’s music gain a centre. However, the gestures are very courageous and the music spurts out strong, though directionless fangs.


Segue to the late-night concert in the chamber-music hall; another acoustic wonder coated in fine wood with glorious wave-like forms lining the wall. I’m falling in love with this building.

The Swedish composer Niklas Ottander’s Piano Quartet (2015), played by students of the Academy to a packed hall, explores the worlds in between sound and silence and the extremes of register within the string family. Basing the harmony on a low E-pedal on a scordatura cello-string, which created slow glissandi and microtones when bowed, Ottander finds sonic parallels with the prepared piano. The piece remains an etude: the impressions, however beautiful, do not conjure coherence.

Marcus Lease’s eccentric text-ljud work for 4-channel diffused tape An Intense Marble Pink or: The Breakup (2015) treats interwoven speech of a man and a woman dealing with a breakup. The story is juxtaposed with coarse-transmitted Nasa-recordings of space travel. A striking detail is its inbuilt measuring of piece-time. At regular intervals, a nondescript news-reader voice reads out the temporal position in form of a mathematical formula. An enticing element.

The least original of the works in the concert, Xavier Bonfill’s The Taking (after The Kiss) (2015) completely subdues the marimba-soloist’s efforts with a dense and seemingly random texture of processed marimba-sounds. Interesting to note though, that the electronic part was diffused entirely from the back of the hall, implying a battle-like situation between the live and the electronic. Hans Peter Stubbe Teglbjærg’s Aulodian Reed (2016, wp) work suffers from similar stagnation and saturation. The spectrum of multiphonics, whenever audible, beautifully and carefully outed by oboist Veronica Isabelle Stubberud, were somewhat unfortunately covered by the electronic part, which was striving to co-exist and perhaps even mix with the oboe sound.

Two pianists, the Polish Daniel Uzniak and Dominik Wizjan, like characters in a silent movie, alternate in performing Christensen’s very peculiar and very dry miniatures for heavily prepared piano and maybe the quietest electronics I’ve ever heard. In the 5 Piano preludes (2013/15) the small genelec placed ‘the wrong way round’ behind the piano diffused Bach’s C-minor prelude and other key repertoire that the pianist mimed playing – or rather, brought out the finger-against-key sounds, making a splendid charade of pianism. The work, along with professor Stubbe Tegljæerg’s was perhaps slightly out of place in a concert focused on young composition students.


In accordance to the theme of this year’s Pulsar festival, ‘Metro’, the CV’s and programme notes of the composers and their pieces took the form of small video clips, filmed in the Copenhagen metro stations. The composers had to explain the essentials of their work during the time it takes to travel one station-span. The Chinese composer Yiqing Zhu declares his interest in the work of the spectral composers, and the spectral treatment of diverse folk musics. Zhu wants control over his music, but this doesn’t prevent Echoes from the Execution Ground (2015, wp), premiered by the RDAM Sinfonietta on Friday, to breathe freely. The unabashed melancholy and fragility of the music shuns at the thought of structural shackles. The RDAM Sinfonietta spoke in a refined and very musical language under the baton of Jean Thorel.

The two other student works by Arvid Hansell and Esben Nordborg Møller, take their impulses from the percussion section with a prominent part for triangle in the first and bongo’s on the latter. A good rapport and close collaboration with the musicians was apparent in all pieces. The convincing ensemble texture is generally well crafted but generic on occasion. There are some very personal voices budding in these pieces.

The beautifully steady and crystal clear sound of oboist Eva Steinaa was in close dialogue with both the accompanying sinfonietta as well as the warm concert hall itself. Ruders gives initially a lot of space in the first movement of his Oboe Concerto (1998) for the ethereal but precise high register to speak, bringing the the ensemble more actively in in the later movements, along with more exploration in the soloist’s lower register. The harsh, unyielding final movement breaks away from the clarity of the first two.

The final work, the quietly stuttering exhalation of Sextet (2010/14), is Christensen’s sonic experimentations in miniature form. A teaser.


The final concert I had the chance to see was above all a showcase of the vulgar, the uncompromising and the personal. An army of students, aided by professor Stubbe Teglbjærg, were in charge of putting together this challenging array of both acoustic and electroacoustic pieces.

Coming back from the centre, where I had ventured into the gorgeous Royal Library to start on this piece of writing earlier the same day, I stumbled on a performance by composer and contrabassist Bára Gísladóttir. The nebulous Icelander took to the metro station just outside the Academy, assistants holding long strands of black cloth, into which she spiralled while playing from the score arranged in a circle on the ground. The cloth eventually covered a part of the strings, muting the sound, and distorting it for great visual and sonic effect.

Her performance in the evening was an interweaving of spoken text in Italian, and crude scratching and rubbing sounds produced with sticks and super-balls on the instrument body as well as coming from the tape part. The sounds seemed to be vomited onto the audience, primitively, as a spontaneous outcry. The smoothness at any given moment was delightful happenstance.

Equally unprompted was James Black’s happening-like trio Karate Documents. Black on carophone (a trombone slider equipped with a saxophone mouthpiece) and saxophone was joined by Gísladóttir and Polish clarinettist Iga Kurec, who – wonderfully out of the blue and very much in-your-face – burst into into Polish folk-song. This was enhanced by the performers sitting right at the first row of the audience. The folk-song held the improvisatory elements together in a highly original manner, the melody appearing among the cloud of strange instruments and foreign elements, finishing with a shrill cloud of sopranino recorders. Not the subtlest of pieces, but painfully honest. And very laid back as well, there was no pressure, no need to understand the possible allusions or meanings behind the cryptic subtitles. And if this piece has an affinity with surrealism (which I think it does), they were probably cooked up randomly over a few drinks anyway, freeing the mind for free association.

Both Mads Emil Dreyer’s Lys and Xavier Bonfill’s 28×28 integrated visual elements into their music. Dreyer’s work (Danish for light) for electric guitar and electronics lulled the room into a slowly pulsating ambient atmosphere conjured by a heavily reverberated and sustained guitar line, performed from the back of the hall by the composer himself. On the stage in front a dozen light bulbs were placed, which ebbed and flowed into light and gloom along with the swells of the background. A restful peak.

Bonfill’s 28×28 (2016, wp) for for septet, electronics and a table of domino players was decidedly one of the most complicated pieces in terms of setup of the festival so far. The piece constituted of 28 fragments of music of 28 seconds each – a long time to be listening to music in 2016, but too long to not reply to a Whatsapp message, states the composer.

The work was performed twice, at the start and at the end of the concert. The fragments are ordered anew for each performance according to the development of a simple domino game played on centre stage, the game filmed for the audience to see. The game master prompts the fragment numbers – played as matching domino cards onto the table by the four players – to the performer of the electronic part, who in turn speaks them into the headphones of the performers. In addition, the performers follow a click track, which aid in timing the whole with the constantly advancing electronic part.

Some of the fragments are distinct and memorisable between the two performances that this piece received tonight, such as percussion solos with one foot in contemporary dance music. Others segue well into each other, but the real genius is in how the electronic part – itself also produced live before the audience – welded both performances seamlessly together in a manner distinct to each. As the cherry on top, a graphic score of sorts was drawn onto the screen as a by-product of the game. Very clever.

Now I must admit I’m a little worried. Here I am, writing a piece on Pulsar as a member of press, well aware of the proper code of conduct that must ensue. Therefore, it may not be wholly unproblematic that instead of merely observing Bonhill’s work, I actually affected the course which it took. On the other hand, if a piece involves audience participation, surely the fact that the music critic – as a member of the audience – participates in the piece is kosher. I’ll let you be the judge of my conduct, dear reader.

Another matter altogether may be the fact that I won the second domino game. Je ne regrette rien.

— Lauri Supponen, Helsinki 15.3.2016 (contact: lasuppon(a)gmail.com)

Pulsar 2016 ‘Metro-‘

9th-18th March, Copenhagen (DK)

♦ Thursday 10th March 2016

‘DR Symfoniorkestret’

19h30
Konservatoriets Koncertsal (Julius Thomsens Gade 1)

Free entrance

DR Symfoni Orkestret
Brad Lubman, conductor
*Bjarke Mogensen, accordion
*Toke Møldrup, cello

Martin Stauning: Burlesque (Ouverture-Dance-Applause) (2016, wp)
Christian W. Christensen: Chromatische Weltmusik* (2013, Dp)
Poul Ruders: Tundra (1990)
James Black: Ground moves (2015, wp)
Aya Yoshida: Double-face (2015, wp)

//

‘Prepared Piano & Electronics’

21:30
Studiescenen, Rosenørns Allé

Free entrance

Students of the RDAM
Producers: Hans Peter Stubbe Teglbjærg, Lasse Winterbottom and Jens Peter Møller
Sound: Heini Ragnarsson, Ragnheiður Jónsdóttir and Weronika Wierzba

Niklas Ottander: Piano Quartet (2015)
Marcus Lease: An Intense Marble Pink or: The Breakup (2015)
Xavier Bonfill: The Taking (after The Kiss) (2015)
Christian W. Christensen: Piano preludes (2013/15)
Hans Peter S. Teglbjærg: Aulodian Reed (2015, wp)

//

♦ Friday 11th March 2016

’DKDM Sinfonietta’

19h30
Konservatoriets Koncertsal (Julius Thomsens Gade 1)

Free entrance

RDAM Sinfonietta
Jean Thorel, conductor
*Eva Steinaa, oboe

Yiqing Zhu: Echoes from the Execution Ground (2015, wp)
Poul Ruders: Oboe Concerto* (1998)
Esben Nordborg Møller: Surface – resurface (2015, wp)
Arvid Hansell: Present, the End, and then the next Place (2015, wp)
Christian W. Christensen: Sextet (2010/14)

//

‘Electronic Lounge’

21:30
Studiescenen, Rosenørns Allé

Free entrance

Students of the RDAM
Producers: Niklas Ottander, Marcus Lease & Mads Emil Dreyer
Sound: Heini Ragnarsson, Gediminas Sudnikavicius and Weronika Wierzba

Xavier Bonfill: 28×28 (2016, wp)
Bára Gísladóttir: Rooftops of Milan (2015)
Mads Emil Dreyer: Lys (2015, wp)
James Black: Karate Documents (I Løg – II Can vei la lauzeta mover­ – III Postcard from Lemmingland) (2016, wp)
Xavier Bonfill: 28×28 (2016)